Zoom sur Le champ de coquelicots de Claude Monet

Accueil » Zoom sur Le champ de coquelicots de Claude Monet
Art
Broche266
Partager312
578 Actions

« Je dois avoir des fleurs, toujours et toujours. » Claude Monet

Dans cet article, je regarde de plus près une agréable peinture de paysage nommée Le champ de coquelicots de Claude Monnet. Il représente quatre personnes (dont probablement la femme et le fils de Monet) se promenant dans un champ de coquelicots à Argenteuil, Paris.

Contrairement à beaucoup d’autres peintures sur lesquelles j’écris, il n’y a pas de sens caché ou d’histoire controversée avec cette peinture. Dans cet esprit, j’aborderai principalement les aspects techniques de la peinture, à savoir la couleur, la valeur, les bords et la composition. Je couvre:

  • Utilisation de la couleur

  • Valeurs compressées et accents sombres

  • Bords doux et durs

  • Simplifier le « bruit »

  • Points clés à retenir

  • Merci d’avoir lu!

Claude Monet, Le champ de coquelicots, 1873
Claude Monet, Le champ de coquelicots, 1873

(Bonus : Cliquez ici pour télécharger une copie PDF de ma feuille de triche sur la théorie des couleurs.)

Utilisation de la couleur

La couleur semble être la principale caractéristique de la peinture, avec une palette de couleurs complémentaires scindées de rouges, de verts et de bleus. Les verts et les bleus sont retenus, laissant les rouges dominer (ce qui est approprié étant donné le nom de la peinture-Le champ de coquelicots).

Claude Monet, Coquelicots, 1873 (Gros plan 1)

Pour en revenir un instant à la théorie des couleurs de base, le rouge et le vert sont des couleurs complémentaires. Autrement dit, ils ont un contraste saisissant lorsqu’ils sont placés les uns à côté des autres. Monet a été habile pour restreindre les verts et laisser les rouges dominer. Sinon, les deux couleurs se disputeraient l’attention et cela pourrait être choquant à regarder.

Si vous regardez attentivement les coquelicots rouges, remarquez comment deux tons rouges différents sont utilisés : un ton faible et un ton fort utilisé principalement comme accent. Ceci, bien sûr, ajoute de la variance, de la profondeur et de la forme aux coquelicots.

Une observation plus subtile est la façon dont le ton rouge faible crée un lien entre les coquelicots et les verts faibles environnants utilisés pour l’herbe – les deux couleurs sont à peu près les mêmes en termes de saturation et de valeur.

Il y a aussi un lien subtil entre les coquelicots et le rouge utilisé pour le bâtiment lointain. Notez le positionnement en diagonale de ces deux éléments, car c’est un thème commun dans tout le tableau.

Pour moi, les bleus dans la peinture jouent plus un rôle de soutien aux rouges et aux verts. Il y a un lien entre le bleu du ciel et les bleus utilisés pour la femme au premier plan (cerclée ci-dessous). Encore une fois, notez le positionnement en diagonale.

Claude Monet, Coquelicots, 1873 (Bleu)

Enfin, en termes de couleur, j’attire votre attention sur cet éclat de vert relativement saturé au loin (cerclé en bas à droite). Cette petite mais importante explosion de couleur vous aide à traverser la peinture.

Il ajoute également une autre lien de couleur subtil, avec de petites touches de la même couleur utilisées dans l’herbe dans le coin inférieur gauche. Cela peut ne pas sembler évident ou même significatif, mais ce sont des touches comme celle-ci qui rendent la peinture si agréable et réaliste sans que Monet n’utilise autant de détails.

Claude Monet, Coquelicots, 1873 (Vert)

Valeurs compressées et accents sombres

La peinture a une structure de valeur forte mais simple, comme vous pouvez le voir dans l’image en niveaux de gris ci-dessous :

Claude Monet, coquelicots, 1873 (niveaux de gris)

Il existe trois groupes de valeurs dominantes : le ciel clair, le premier plan de valeur moyenne et les accents sombres utilisés pour les vêtements et les arbres éloignés.

Le ciel et le premier plan sont conservés dans une plage de valeurs très compressée. Autrement dit, les couleurs sont à peu près les mêmes en termes de légèreté. Sans couleur, ces zones semblent plates et sans vie (prenez un moment pour comparer l’image en niveaux de gris à la photo en couleur montrée au début de cet article).

Monet s’est appuyé presque entièrement sur le contraste de teinte et de saturation pour susciter l’intérêt dans ces domaines. Cette technique est difficile mais très efficace si vous y parvenez.

Je compare cela à une belle symphonie, la batterie étant la structure de valeurs fondamentale et les violons, flûtes, piano, etc. étant la danse subtile entre les différentes teintes et saturations.

Les accents sombres de la peinture sont utilisés pour représenter les arbres lointains et les vêtements sombres. Ces accents ne prennent pas beaucoup de place dans le tableau, mais ils attirent votre attention en raison de leur contraste net avec les couleurs claires environnantes.

Pointe: Une petite zone de fort contraste peut avoir le même impact, sinon plus, qu’une grande zone qui manque de contraste.

Les arbres sombres agissent comme une ancre pour la peinture, reliant le ciel et le premier plan. Remarquez également comment les vêtements sombres portés par la femme sur le côté gauche du tableau se fondent dans les arbres sombres. Ceci est un exemple de simplification de la structure de valeur.

Dans le coin inférieur droit, les vêtements sombres portés par la femme et l’enfant créent de petits mais puissants accents sombres parmi la mer de verts ternes. Ce sont à peu près la même valeur que les arbres sombres (encore un autre lien de couleur).

Bords doux et durs

La plupart des bords de la peinture sont doux et en sourdine. Cela permet à vos yeux de passer facilement d’une zone à l’autre. Monet semble avoir utilisé la couleur brisée pour adoucir les bords, plutôt que de se fondre.

En particulier, notez comment Monet a utilisé des bords doux pour le bas de la femme et de l’enfant sur le côté droit (voir le gros plan ci-dessous). Les deux personnages semblent presque se fondre dans la nature environnante.

Claude Monet, Coquelicots, 1873 (Femme et enfant)

Des bords relativement durs sont utilisés pour les accents sombres et les petits éclats de rouge saturé. Ces bords durs aident à capter votre attention et à fournir de petits moments de clarté dans une scène autrement éphémère.

Simplifier le « bruit »

Cette peinture est un excellent exemple de simplification du « bruit » – les innombrables couleurs, valeurs, formes, lignes ou autres petits détails auxquels vous êtes confronté lorsque vous regardez la nature dans la vie. Monet a extrait l’essence nue de la scène et l’a transférée sur la toile. Il y a juste assez d’informations pour que la peinture apparaisse réaliste. Mais si vous regardez attentivement, vous verrez que beaucoup est laissé à l’imagination.

Les visages des quatre personnes sont laissés obscurcis. Leurs vêtements ne sont rien de plus que de simples formes colorées. Quelques traits de vert plus les coquelicots rouges créent l’illusion de l’herbe haute et large.

Le rendu de ce tableau n’est pas complexe, contrairement à ce que l’on pourrait voir dans un tableau d’Ivan Shishkin. Mais, Monet se rattrape dans tous les autres domaines.

Points clés à retenir

Voici quelques-uns des principaux points à retenir de cette peinture :

  • Ce n’est pas parce qu’un tableau a l’air simple qu’il manque de sophistication. Plus je regardais ce tableau, plus je réalisais à quel point Monet était intelligent.
  • Lorsque vous peignez avec des couleurs complémentaires, c’est généralement une bonne idée de laisser l’une des couleurs dominer l’autre. Sinon, ils finiront par se disputer l’attention.
  • Une structure de valeur solide et concise peut constituer une excellente base pour votre peinture. Cela vous permet également plus de liberté dans la façon dont vous utilisez la teinte, la saturation et d’autres éléments.
  • La compression de la plage de valeurs signifie que les couleurs restent autour du même niveau de luminosité, mais vous faites varier la teinte ou la saturation. Il s’agit d’une technique difficile mais très efficace si vous réussissez.
  • Utilisez des bords doux et durs pour aider à guider le spectateur à travers votre peinture. Les bords doux permettent une transition en douceur entre les zones. Les bords durs sont comme un point d’exclamation qui attire l’attention et offre des moments de clarté.
  • Vous n’avez pas besoin de peindre chaque détail que vous voyez. Essayez de simplifier le « bruit » et de capturer l’essence de la scène. Vous vous retrouverez avec une peinture plus concise et puissante.

Merci d’avoir lu!

Merci d’avoir pris le temps de lire cette publication. Je vous en suis reconnaissant! N’hésitez pas à partager avec vos amis. Si vous voulez plus de conseils de peinture, consultez mon cours de l’Académie de peinture.

Bonne peinture !


Académie de peinture Signature Draw

Dan Scott

Académie de peinture de dessin


Lire aussi  5 choses que chaque artiste en herbe devrait savoir avant de commencer