Regardons de plus près la femme à l’ombrelle de Claude Monet

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Regardons de plus près Femme à l’ombrelle de Claude Monnet. Ce tableau incarne l’impressionnisme et l’œuvre de Monet. Un moment fugace capturé avec des couleurs claires et des traits frais.

Je couvrirai :

  • Faits et idées clés

  • Mouvement et coup de pinceau

  • Couleur et lumière

  • Composition

  • Points clés à retenir

  • Ressources additionnelles

  • Merci d’avoir lu!


Claude Monet, Femme à l'ombrelle, 1875
Claude Monet, Femme à l’ombrelle, 1875

(Vous pouvez télécharger une version haute résolution de la peinture ici. Vous pouvez voir les traits de Monet avec une clarté remarquable.)

Faits et idées clés

  • Le tableau représente la première épouse de Monet, Camille, et son fils Jean se promenant dans Argenteuil.
  • C’est une grande peinture de 39 x 32 pouces. Le plus grand de Monet des années 1870. Ce doit être un spectacle magnifique en personne.
  • Il a été peint en plein air (à l’extérieur) peut-être en une seule session, selon la National Gallery of Art. Cela expliquerait le côté intimiste et spontané du tableau.
  • C’était l’une des 18 peintures de Monet présentées dans la deuxième exposition impressionniste, 1876. John Singer Sargent l’a vu à l’exposition et a été inspiré pour peindre Deux filles avec des parasols à Fladbury.

John Singer Sargent, Deux filles avec des parasols à Fladbury, 1889
John Singer Sargent, Deux filles avec des parasols à Fladbury, 1889
  • Monet a peint deux œuvres similaires environ 10 ans plus tard : Femme à l’ombrelle, tournée vers la gauche et Femme à l’ombrelle, tournée vers la droite. Cette fois avec Suzanne Monet, la fille de sa seconde épouse.

Claude Monet, Femme à l'ombrelle, tournée vers la gauche, 1886
Claude Monet, Femme à l’ombrelle, tournée vers la gauche, 1886

Claude Monet, Femme à l'ombrelle, tournée vers la droite, 1886
Claude Monet, Femme à l’ombrelle, tournée vers la droite, 1886

Mouvement et coup de pinceau

La peinture présente un travail de pinceau typique de Monet : couleur brisée, traits énergiques et détails simplifiés. C’est efficace pour capturer un moment éphémère comme celui-ci. Il a l’air frais et spontané, pas mis en scène.

Camille se retourne pour nous voir, sa robe s’enroulant autour de son corps. Il y a du mouvement dans cette pose. Le coup de pinceau de Monet suit les contours de la robe. L’enfant, en revanche, apparaît plus statique. Pas de rebondissements ni de virages. Cela accentue encore le mouvement de Camille par contraste. Si vous voulez plus d’exemples sur la façon de peindre le mouvement du corps, consultez les peintures de danseurs d’Edgar Degas.

Monet a utilisé un pinceau simple et plat pour les visages. Voir les gros plans ci-dessous. Mais les détails qu’il a utilisés sont exacts. Simple ne veut pas dire bâclé.


Claude Monet, Femme à l'ombrelle, 1875 (Détail 1)

Claude Monet, Femme à l'ombrelle, 1875 (Détail 2)

Cela ressemble à une journée venteuse. Le ciel est plein d’énergie et de mouvement. Ci-dessous, un gros plan du travail au pinceau de Monet. Regardez la variance de ses coups. Épais, mince, différentes directions, blanc, gris, bleu, clair, foncé.


Claude Monet, Femme à l'ombrelle, 1875 (Détail 3)

Pour l’herbe, Monet a utilisé des coups courts et saccadés. Cela donne un aspect plus erratique. Mais, remarquez comment l’herbe suit un large mouvement avec le vent.


Claude Monet, Femme à l'ombrelle, 1875 (Herbe)

Un bon exercice d’analyse d’un tableau consiste à tracer le chemin parcouru par vos yeux à travers le tableau. Vous pouvez le faire dans votre tête; pas besoin de dessiner quoi que ce soit physiquement. Où la peinture vous emmène-t-elle ? Vous constaterez peut-être que cela révèle des liens subtils entre des zones autrement distinctes de la peinture. Dans ce cas, le mouvement relie la robe, l’herbe et le ciel.

Couleur et Lumière

La peinture présente une palette impressionniste de bleus, verts, jaunes et quelques accents rouges. Les lumières sont vives et les ombres sont colorées. Au lieu d’utiliser des noirs et des bruns pour les ombres comme les anciens maîtres, Monet et les impressionnistes ont préféré les verts, les bleus, les rouges et les violets. Ils ont choisi la couleur au sacrifice des ombres profondes.

Il semble y avoir un thème général de lumières épaisses, d’ombres fines. Remarquez les lumières épaisses dans le ciel pour les nuages ​​et les reflets sur la robe de Camille (voir ci-dessous). Comparez cela à la couleur relativement fine utilisée pour les visages et autres ombres. Le gros plan ci-dessous montre également une lumière réfléchie frappant le dessous de son bras. Il s’agit d’une lumière jaune-vert qui rebondit sur le premier plan herbeux. Une touche subtile mais importante de Monet.


Claude Monet, Femme à l'ombrelle, 1875 (Détail 4)

Monet s’est appuyé sur la couleur brisée pour créer l’illusion de détails et de mouvement. Le ciel a toutes sortes de bleus, de gris et de blancs. Le premier plan a des jaunes, des bleus, des verts et des violets.

Ci-dessous, une échelle de gris de la peinture. Il fait beaucoup plus sombre que ce à quoi vous pourriez vous attendre. Les couleurs riches et saturées ont tendance à apparaître plus claires qu’elles ne le sont réellement. Il est facile de confondre des couleurs très saturées avec des couleurs claires. Mais rappelez-vous que les couleurs ont tendance à être plus fortes vers le milieu de l’échelle de valeur. J’aborde cela plus en détail dans mon cours de l’Académie de peinture.


Claude Monet, Femme à l'ombrelle, 1875 (Niveaux de gris)

Composition

Monet a peint d’un point de vue bas, regardant Camille. Son enfant est plus en arrière, à peu près au niveau des yeux. Cela crée un jeu intéressant en termes de perspective et d’espace. Le point de vue bas donne également une dominance au ciel.

En termes de points focaux, mon regard est attiré vers le visage de Camille d’abord, puis celui de l’enfant, même s’ils sont tous les deux simplifiés. C’est le pouvoir des traits du visage. Nous sommes programmés pour les chercher.

Cela étant dit, les deux chiffres sont assez équilibrés par rapport à la nature environnante dramatique. C’est une peinture inhabituelle en ce sens : ce n’est pas un pur portrait, et ce n’est pas un pur paysage. C’est un hybride des deux. Si la femme et l’enfant étaient plus loin, ce serait un paysage. Le champ de coquelicots vient à l’esprit. Si Camille était plus proche et plus rendu, ce serait un portrait.

Claude Monet, Le champ de coquelicots, 1873
Claude Monet, Le champ de coquelicots, 1873

Regardons la peinture en termes de règle des tiers. L’idée derrière la règle des tiers est que les lignes de quadrillage et les intersections sont considérées comme des zones esthétiques. Ci-dessous se trouve la peinture avec une grille trois par trois sur le dessus (à l’aide de mon outil de grille) plus quelques observations clés :

  • Le premier plan vient à la ligne horizontale inférieure.
  • Le visage de Camille est autour de l’intersection en haut à droite. L’enfant est autour de l’intersection en bas à gauche.
  • Le dos de Camille s’aligne avec la ligne verticale droite.
  • Les nuages ​​sont les plus forts autour de l’intersection en haut à gauche.

Claude Monet, Femme à l'ombrelle, 1875 (Grille)

Pour en savoir plus sur la composition, vous pourriez être intéressé par mon cours Composition Breakdown.

Points clés à retenir

  • Considérez le lien entre votre style de peinture et la nature du sujet. Le style impressionniste de Monet a été efficace pour capturer ce moment fugace et intime.
  • Vous pouvez créer l’illusion de mouvement avec un coup de pinceau intelligent et une couleur brisée. Laissez votre pinceau suivre les contours et imiter le mouvement du sujet.
  • Essayez de faire correspondre la nature de votre coup de pinceau à la nature du sujet. Monet a utilisé un coup de pinceau énergique et énergique pour le ciel; coup de pinceau court et piquant pour le premier plan; et pinceau plat pour les deux faces.
  • Y a-t-il un thème général que vous pouvez suivre dans votre peinture ? Monet a suivi un thème de lumières épaisses, d’ombres fines.
  • Ne confondez pas la saturation des couleurs avec la valeur. Les couleurs très saturées, riches ou vives peuvent apparaître plus claires qu’elles ne le sont réellement.
  • Des gros plans de peintures révèlent des indices importants sur la façon dont il a été peint.
  • Nous sommes programmés pour rechercher certaines choses dans la vie, comme les yeux et les traits du visage. Dans ce cas, je suis attiré par les deux visages du tableau bien qu’ils soient si simplifiés.

Ressources additionnelles

  • Plus d’articles à regarder de plus près
  • Comment peindre comme Claude Monet
  • Académie de peinture
  • Masterclass de peinture de paysage

Merci d’avoir lu!

Merci d’avoir pris le temps de lire cette publication. Je vous en suis reconnaissant! N’hésitez pas à partager avec vos amis. Si vous voulez plus de conseils de peinture, consultez mon cours de l’Académie de peinture.

Bonne peinture !


Académie de peinture Signature Draw

Dan Scott

Académie de peinture de dessin


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