James Gurney – Artiste, professeur et créateur de Dinotopia

Je suis heureux que James Gurney partage certaines de ses réflexions sur l’art, les affaires et l’apprentissage. James a créé la série de livres illustrés Dinotopiea écrit Couleur et lumière : un guide pour le peintre réalisteécrit un blog quotidien sur Gurney Journey et est un artiste et un enseignant qualifié, entre autres choses.

Comment vous êtes-vous lancé dans l’art ?

Quand j’étais petit, dessiner signifiait concevoir des choses que je voulais construire en 3D, comme des maquettes de bateaux, des marionnettes et des cerfs-volants. Au lycée, mes principaux médiums étaient la plume et l’encre, le tableau à gratter et la calligraphie. Personne n’a enseigné cela; Je viens de les comprendre par moi-même. J’ai lancé une entreprise indépendante en faisant du lettrage et des illustrations pour les menus et les invitations de mariage.

Avez-vous fait une éducation artistique formelle?

Avant d’aller à l’école d’art, j’ai étudié les arts libéraux à l’Université de Californie à Berkeley. J’y ai suivi des cours dans de nombreuses matières et je suis tombé amoureux de la paléontologie, de l’archéologie et de l’histoire. Après avoir obtenu mon diplôme de Berkeley, j’ai continué à l’école d’art. Mais au début des années 1980, ils ne fournissaient pas suffisamment d’informations utiles pour que cela en vaille la peine. J’ai rapidement abandonné, réalisant que je pouvais en apprendre davantage grâce aux vieux manuels d’instruction artistique. J’ai dessiné au zoo et au musée d’histoire naturelle, et je me suis aventuré à travers l’Amérique dans des trains de marchandises avec un carnet de croquis. Ma grande percée a été d’obtenir un emploi de peintre d’arrière-plan pour un film d’animation intitulé « Fire and Ice » avec Ralph Bakshi et Frank Frazetta. Six cents tableaux plus tard, je savais peindre et j’avais assez d’argent pour lancer mon activité d’illustration en freelance.

Si vous deviez recommencer à apprendre l’art, par où commenceriez-vous ?

De nombreuses vidéos didactiques sont désormais disponibles. Je pense que j’en regarderais un tas, puis que je lirais des livres, que je copierais des maîtres, et que je dessinerais et peindrais d’après nature. Même si Internet a ouvert de nouvelles opportunités d’apprentissage, je pense que le meilleur chemin vers la maîtrise est le même qu’il l’a toujours été, à savoir un mélange de : 1) peinture de la vie, 2) croquis de l’imagination et 3) copie de maîtres antérieurs.

Si vous pouviez recommander un livre d’éducation artistique aux débutants, quel serait-il ?

Creative Illustration d’Andrew Loomis est toujours le meilleur livre d’instructions global pour la composition, la couleur et la peinture. Je suis content qu’il soit toujours imprimé.

Vous souvenez-vous de votre premier tableau et l’avez-vous toujours ?

J’ai encore quelques-unes de mes premières peintures à la gouache, à l’aquarelle et à l’huile. Quand je les regarde, je me souviens de ces sentiments de frustration alors que je me débattais avec les bases.

Je remarque que vous bloguez régulièrement depuis de nombreuses années maintenant. Qu’est-ce qui vous a poussé à commencer à bloguer et où trouvez-vous l’inspiration pour écrire des choses ?

Le blog est une discipline quotidienne de la pensée. J’aime être responsable de transmettre un fait fondamental à une communauté d’autres personnes curieuses, qui partagent ce qu’elles découvrent avec moi.

Vendez-vous votre art ou vous concentrez-vous principalement sur la vente de livres et d’autres avenues ?

Oui, je vends quelques tableaux originaux chaque année. Vous pouvez les trouver sur mon blog d’art original, jamesgurneyoriginalart.blogspot.com Cependant, la plupart de mes revenus proviennent des livres, des vidéos et des licences.

As-tu un médium de prédilection (acrylique, huile, aquarelle, gouache, crayon, stylo, etc) ?

Je les aime tous et je les utilise tous. Je fais la plupart de mes illustrations de studio à l’huile. J’aime la gouache, qui peut être utilisée en combinaison avec de nombreux autres supports.

Quels maîtres artistes vous inspirent (passés et vivants) ?

Enfant, mes héros étaient MC Escher et Norman Rockwell. La plupart des artistes qui m’inspirent ne sont malheureusement plus en vie. Dernièrement, ceux sur lesquels je reviens sans cesse sont : Adolph Menzel, Anders Zorn, Joaquín Sorolla, John Singer Sargent et Tom Lovell.

Avec l’essor de l’art numérique, pensez-vous qu’il y aura toujours une place pour les médiums traditionnels ?

Parlons d’abord de la terminologie de votre question. Je n’utilise pas le terme « traditionnel » comme vous le faites. L’imagerie des peintres physiques n’est pas nécessairement traditionnelle. Et même si je respecte la tradition, il n’y a rien de nécessairement traditionnel dans la façon dont j’utilise les matériaux physiques (comme peindre de la gouache sur de la caséine, ou combiner l’aquarelle avec des crayons de couleur hydrosolubles).

Mais je vois ce que tu demandes. Certaines méthodes analogiques ont probablement disparu pour de bon, comme le collage avec du ciment de caoutchouc, la teinte artisanale et la composition photomécanique. Mais d’autres manières de faire de l’art n’ont jamais disparu ou font leur retour : gouache, aquarelle, stylo plume, peinture d’enseignes, calligraphie, machines à écrire manuelles et carnets de croquis en tous genres. Jamais de ma vie je n’ai vu autant de types de carnets de croquis disponibles qu’aujourd’hui. Internet a favorisé une renaissance féroce des compétences manuelles, et les résultats sont souvent plus satisfaisants pour l’artiste et le public.

Je me souviens que lorsque les techniques numériques ont fait leur apparition, les solutions physiques semblaient un peu gênantes, bon marché et dépassées. Maintenant, la situation s’est inversée. Alors que l’art numérique de pointe créé par des artistes de premier plan sera toujours impressionnant et révolutionnaire, le bas de gamme du marché – produit par les artistes les moins capables et par des clients aux budgets serrés – est désormais réalisé numériquement. En conséquence, les méthodes numériques sont associées à un travail bon marché et embarrassant.

Les peintures physiques sont le seul type que les musées veulent exposer et les seuls originaux de valeur pour lesquels les collectionneurs veulent payer. Lorsque Frank Frazetta a peint ses couvertures de poche barbares, il n’a été payé que quelques centaines de dollars pour la commission d’illustration, mais maintenant, ses originaux se sont vendus pour plus d’un million de dollars. Cette source de valeur est perdue pour les artistes numériques.

On se demande aussi combien de temps le logiciel auteur restera accessible. Je peux ouvrir n’importe lequel de mes carnets de croquis et ils sont en parfait état, mais je me demande si les gens peuvent encore ouvrir leurs anciens fichiers dans MacPaint ou KidPix ? Si vous ne continuez pas à payer Adobe, comment pourrez-vous accéder à vos fichiers .psd ? Vous pourriez donc vous demander à juste titre : « Y aura-t-il toujours une place dans le futur pour les supports numériques ? »

En vérité, les deux vivront toujours côte à côte sous une forme ou une autre. Je suis inspiré dans ma peinture physique par des choses que j’ai vues créer par des artistes numériques. Certains des travaux les plus intéressants actuellement réalisés sont une combinaison de médias numériques et physiques, et j’espère que les deux modes de création artistique s’inspireront mutuellement.

Pour les artistes traditionnels qui cherchent à percer dans le monde des beaux-arts, leur recommandez-vous de rechercher une représentation en galerie ou de se concentrer sur la construction de leur propre public via Youtube, les blogs, les réseaux sociaux, etc. ?

Je ne suis pas la meilleure personne pour poser des questions sur les galeries, car les ventes de mes originaux ont tendance à se faire par le biais d’enchères et de ventes spéciales. Quelle que soit la manière dont un artiste commercialise son propre travail, se constituer un public via les réseaux sociaux est une bonne idée.

Avez-vous d’autres conseils commerciaux généraux pour les artistes en herbe ?

Diversifiez vos sources de revenus et disposez d’un espace où vous pourrez expérimenter de nouvelles idées. Livrez à temps, soyez agréable à travailler et faites du bon travail. Soyez le meilleur dans ce que vous faites le mieux.

Comment vous préparez-vous généralement pour une œuvre plus sérieuse (faites-vous des croquis, des études de couleurs, etc.) ?

Je passe par toutes ces étapes et plus encore : développement de vignettes, croquis en couleur, maquettes, modèles en costume, recherche de photos, croquis sur place et fusain complet. Il n’y a pas de raccourcis et pas d’improvisation miraculeuse. Ma méthode est relatée dans mon livre Imaginative Realism: How to Paint What Doesn’t Exist, et elle est entièrement couverte sur mon blog GurneyJourney. Utilisez simplement le champ de recherche ou les onglets d’index.

De nombreux artistes débutants semblent s’inquiéter de développer un style unique. Pensez-vous que c’est quelque chose dont ils doivent s’inquiéter, ou devraient-ils simplement se concentrer sur l’amélioration des fondamentaux ?

Le meilleur conseil pour un étudiant est d’oublier le style. Cela viendra naturellement si vous vous concentrez plutôt sur les fondamentaux. Essayez d’apprendre directement de la nature au moyen d’une observation attentive et de l’humilité. Ne modélisez pas votre travail d’après un autre artiste, en particulier un artiste vivant. Si vous devez étudier le travail d’autres artistes, choisissez des héros du passé et regardez-en plusieurs différents, pas un seul. Ne tombez pas amoureux de la technique. Essayez de faire de votre art une fenêtre sur un autre monde. Passez votre temps à regarder la nature plus que les musées d’art, les sites Web, la télévision ou les films. Personne ne veut de l’art d’occasion.

Merci d’avoir lu!

Merci d’avoir pris le temps de lire cette publication. Je vous en suis reconnaissant! N’hésitez pas à partager avec vos amis. Si vous voulez plus de conseils de peinture, consultez mon cours de l’Académie de peinture.

Bonne peinture !

Dan Scott

Académie de peinture de dessin