Comment peindre des feuilles (sans être pris dans les détails)

Dans cet article, vous apprendrez des conseils fondamentaux pour peindre des feuilles. Je couvre:

• Simplifier jusqu’aux éléments de base

• Utiliser la couleur cassée

• Identifiez les ténèbres les plus sombres et les lumières les plus claires

• Enregistrez les faits saillants pour la fin et n’en faites pas trop !

• Soyez prudent avec la saturation des couleurs

• Profitez de l’espace négatif

• Développer un sens du mouvement

• Merci d’avoir lu!

De nombreux peintres semblent être pris dans tous les détails complexes lorsqu’ils peignent des feuilles. Ils utilisent un petit pinceau pour représenter minutieusement chaque feuille d’un arbre. Mais, malgré l’effort, le résultat final semble souvent surmené et fastidieux.

Ces conseils vous aideront à adopter une approche plus efficace pour peindre les feuilles. Tout au long de cet article, j’utiliserai la peinture suivante comme exemple. Il dépeint le magnifique paysage de Queenstown, en Nouvelle-Zélande, après avoir fini de marcher sur la piste Routeburn.

Simplifier jusqu’aux éléments de base

L’un des aspects les plus difficiles de la peinture des feuilles est de simplifier tout le « bruit » jusqu’aux éléments artistiques de base (formes, couleurs, lignes, bords, etc.). Dans la photo de référence que j’ai peinte (ci-dessous), vous êtes confronté à d’innombrables formes, couleurs et lignes.

Vous trouverez ci-dessous un aperçu des formes de base que je peux voir dans les feuilles. Ces formes de base m’aident à déterminer où et comment commencer ; ils me donnent la base sur laquelle construire le reste de la peinture.

Après avoir simplifié les feuilles jusqu’aux éléments de base (ce que je fais brièvement dans ma tête avant de prendre mon pinceau), j’applique mes idées sur la toile. Vous trouverez ci-dessous le résultat après le blocage initial.

Utiliser la couleur cassée

La couleur brisée fait référence à la technique consistant à utiliser de petites touches de couleur distincte pour rendre la forme. Il est très efficace pour peindre les feuilles, car il vous permet de capturer facilement et efficacement toutes les différentes couleurs telles qu’elles apparaissent dans la nature.

Lors de mon voyage en Nouvelle-Zélande, les couleurs étaient en force ; des jaunes, des verts et des oranges riches remplissaient le paysage. La grande idée de ma peinture était d’essayer de capturer fidèlement certaines de ces belles couleurs.

Ma stratégie consistait à appliquer un lavage général de couleur, puis à passer par-dessus avec de petites touches de jaunes et de verts distincts (couleur cassée) jusqu’à ce que les arbres prennent vie.

Noter: La technique de la couleur brisée ne fait pas impliquent de placer négligemment des touches de couleur partout. Chaque touche de couleur doit ajouter de la valeur à la forme générale du sujet. Mais bien sûr, il y aura invariablement un sacrifice dans les détails complexes, le travail au pinceau et les bords.

Identifiez les ténèbres les plus sombres et les lumières les plus claires

Si vous avez du mal à simplifier les feuilles jusqu’aux éléments de base, commencez par identifier deux des points de référence les plus importants – le les ténèbres les plus sombres et lumières les plus légères.

Pour la scène de Queenstown, les feuilles les plus sombres sont à gauche en arrière-plan. Les lumières les plus légères sont dispersées sur les feuilles, mais il y a quelques grappes de lumière ici et là. Ci-dessous se trouve la scène en niveaux de gris afin que vous puissiez voir les ténèbres les plus sombres, les lumières les plus claires et toutes les autres valeurs.

Enregistrez les faits saillants pour la fin et n’en faites pas trop !

Les reflets peuvent vraiment faire ou défaire votre peinture. Soyez patient et gardez-les pour la fin, après avoir peint toutes les formes et tous les tons moyens.

Assurez-vous également de ne pas exagérer les points saillants. Tout au plus, ils devraient être des accents forts. Ils ne devraient pas commencer à prendre le dessus sur les tons moyens. Les reflets sont plus puissants lorsqu’ils sont utilisés avec parcimonie.

Pointe: De nombreux artistes utilisent par défaut le blanc de titane pur chaque fois qu’ils ont besoin d’ajouter un point culminant. Mais, la plupart du temps, le blanc de titane pur n’aura pas sa place dans votre peinture. Au lieu de cela, envisagez d’utiliser des versions claires d’autres couleurs (verts clairs, jaunes, oranges, etc.).

Soyez prudent avec la saturation des couleurs

Vous verrez rarement des couleurs vives ou très saturées dans la nature. La plupart du temps, vous verrez des versions atténuées des couleurs. Tous ces verts, jaunes et bleus riches que vous voyez dans la nature sont loin d’être des couleurs vives.

Même pour peindre le paysage coloré de la Nouvelle-Zélande, j’ai dû atténuer considérablement toutes les couleurs que j’ai utilisées. Si j’avais utilisé des couleurs vives directement du tube, cela aurait l’air discordant et déplacé.

Pour montrer ce que je veux dire, j’ai placé une forme vert vif et jaune vif sur la photo ci-dessous. Observez à quel point les jaunes et les verts des feuilles sont ternes en comparaison. Cet exemple peut sembler un peu dramatique, mais il démontre mon propos.

Profitez de l’espace négatif

Espace négatif fait référence à l’espace qui entoure un objet; l’espace occupé par l’objet est espace positif.

Les gens ont tendance à se concentrer uniquement sur l’espace positif (l’objet lui-même) plutôt que sur l’espace négatif (l’espace autour de L’object). Ils se concentrent sur la peinture de toutes les feuilles d’un arbre (espace positif) mais ignorent le ciel bleu exposé entre les lacunes dans les feuilles (espace négatif).

Dans ma peinture de Queenstown, les petites touches de bleu pour indiquer les lacunes dans les feuilles sont tout aussi importantes, sinon plus, que les feuilles elles-mêmes. Ces touches de bleu fournissent des informations essentielles sur les arbres ; où ils sont positionnés, la densité des feuilles, ce qu’il y a derrière les arbres, la hauteur de la terre en arrière-plan, etc.

Les chiffres suivants et les notes correspondantes vous donnent une idée de ce que nous dit l’espace négatif.

1. Quelques touches de bleu indiquent qu’il y a du ciel exposé derrière cette zone.
2. Il y a plus de touches de bleu autour de cette zone, suggérant que les feuilles sont moins denses et qu’il y a du ciel exposé derrière.
3. Il y a des touches des deux bleus clairs et violets clairs. Cela nous indique où s’arrête la montagne lointaine et où commence le ciel. Le bleu est également un peu plus clair que le bleu en haut du tableau, ce qui contribue à donner une impression de profondeur.
4. Cette zone est assez complexe et une caractéristique forte de la peinture. La quantité considérable d’espace négatif indique que les feuilles ne sont pas si denses et qu’il n’y a pas d’arbres qui se chevauchent.
5. Cette zone marque la fin de la limite des arbres. Les feuilles jaunes et le ciel bleu s’entrelacent à la transition.
6. C’est un domaine intéressant où l’espace négatif devient en fait l’objectif principal.

Développer un sens du mouvement

Si vous souhaitez ajouter un niveau de complexité à votre peinture, essayez de capturer une sensation de mouvement dans les feuilles. Demande toi:

• Quels chemins suivent vos yeux ?
• Comment toutes les feuilles sont-elles connectées ?
• Dans quelle direction le vent souffle-t-il, le cas échéant ?

Vous n’avez pas besoin de le rendre évident. En fait, le subtil est généralement plus efficace.

Ci-dessous, j’indique le mouvement général capturé par mes coups de pinceau.

Merci d’avoir lu!

Merci d’avoir pris le temps de lire cette publication. Je vous en suis reconnaissant! N’hésitez pas à partager avec vos amis. Si vous voulez plus de conseils de peinture, consultez mon cours de l’Académie de peinture.

Bonne peinture !

Dan Scott

Académie de peinture de dessin