FL’artiste français Pierre Bonnard était un peintre symboliste, travaillant spécifiquement au sein d’un groupe appelé Les Nabis (Les Voyants). Les peintures de Pierre Bonnard incarnent l’abandon des formes tridimensionnelles par le groupe Nabis et adoptent plutôt des aplats de couleurs. Contrairement aux autres membres du groupe Les Nabis, cependant, il ne se considère pas comme un mystique, ni n’adhère à leur sujet symboliste, préférant dépeindre les scènes de la vie quotidienne qui le ravissent tant. Apprenons-en plus sur la biographie et le style artistique de Pierre Bonnard !
Sommaire
Un regard sur la biographie de Pierre Bonnard
| Nom d’artiste | Pierre Bonnard |
| Nationalité | Français |
| Date de naissance | 3 octobre 1867 |
| Date de décès | 23 janvier 1947 |
| Lieu de naissance | Fontenay-aux-Roses, France |
Pierre Bonnard a vécu le monde à travers les couleurs. La couleur faisait tellement partie intégrante des peintures de Pierre Bonnard que s’il mélangeait une teinte particulière qu’il trouvait exceptionnellement agréable, il revenait en arrière et ajoutait la couleur à ses œuvres plus anciennes. Il tenait tellement à retoucher ses anciennes œuvres avec des couleurs nouvellement découvertes qu’il a une fois demandé à son ami et collègue artiste Édouard Vuillard pour distraire un gardien de musée assez longtemps pour lui permettre d’ajouter les nouvelles couleurs à un tableau qu’il avait achevé de nombreuses années auparavant.
Les peintures de Pierre Bonnard ont capturé l’essence de la scène car elles n’ont pas été peintes à partir de l’observation mais à partir de la mémoire de l’artiste de la scène ou de l’individu.
Il dessinait un sujet en direct et prenait des notes sur les couleurs ou prenait une photo. Il a ensuite utilisé ses notes de référence sur la coloration pour réaliser le tableau dans son atelier. Outre les peintures de Pierre Bonnard, il était également connu pour son travail de conception de meubles, de production de paravents peints, de développement de motifs textiles et de création de décors de théâtre.
Enfance et éducation
Pierre Bonnard était le fils d’un officier supérieur du ministère français de la Défense, et en raison de l’insistance de son père, il a étudié le droit à la Sorbonne de 1885 à 1888. Il a obtenu un baccalauréat, spécialisé dans les classiques, et a travaillé temporairement comme avocat dans un organisme gouvernemental. Cependant, il a également poursuivi des études artistiques à l’École des Beaux-Arts, où il n’a pas réussi à remporter le célèbre prix des étudiants en art qui lui aurait permis d’étudier à l’Académie française de Rome, connu sous le nom de Prix de Rome.
Il poursuit ses études à l’Académie Julian en 1889, où il rencontre Félix Vallotton, Paul Sérusier, Maurice Denis, Paul Ranson, Ker-Xavier Roussel et Édouard Vuillard.
Il décide par la suite de devenir artiste à plein temps et occupe un atelier à Montmartre avec Vuillard et Denis en 1890. Par la suite, Aurélian Lugné-Poe, metteur en scène théâtral avec qui Bonnard travaille sur des spectacles au Théâtre de l’Oeuvre à Paris les rejoint. . Par conséquent, alors qu’il était encore dans la vingtaine, il a rejoint Les Nabis, une communauté de jeunes peintres voués à la création d’œuvres d’art spirituelles et symboliques. Des amis l’ont surnommé un « Nabi extrêmement nippon » d’après les estampes japonaises qui l’ont inspiré.
Cette influence japonisante a également été attribuée aux œuvres des impressionnistes et des postimpressionnistes.
Période de maturité
Pierre Bonnard rencontre l’artiste Henri de Toulouse-Lautrec en 1891 et commence à exposer ses œuvres à l’exposition annuelle de la Société des Artistes Indépendants. Cette même année, il commence à travailler avec La Revue Blanche, pour laquelle lui et son collègue Édouard Vuillard créent des frontispices. Ambroise Vollard, marchand d’art renommé, imprime ses lithographies en 1895, la même année où Louis Comfort Tiffany lui commande la réalisation d’un vitrail. En 1896, il tient sa première exposition personnelle à la galerie Durand-Ruel, et en 1900, il illustre Paul Verlaine, le recueil de poésie symboliste du poète, En parallèle.
Vers cette époque, il peignait des paysages dans le style de Paul Gauguin et des impressionnistes dans la région située entre la Normandie et Paris. Bonnard a beaucoup voyagé en Afrique du Nord et en Europe en 1907, mais ces voyages ne semblent pas avoir eu d’impact significatif sur son œuvre.
En 1910, il quitte Paris pour le sud de la France. Hormis quelques œuvres sur le thème de la guerre, rien n’indique l’impact de la guerre sur son œuvre. Les historiens et ses associés personnels considéraient Pierre Bonnard comme ayant un « comportement calme » et une autonomie discrète. Ses œuvres très compliquées, qui dépeignent généralement des intérieurs lumineux de maisons et de jardins peuplés de parents et d’amis proches, sont à la fois narratives et personnelles.
Pendant plusieurs décennies, la femme de Bonnard, Marthe de Méligny, que l’artiste a rencontrée pour la première fois en 1893, a été un sujet omniprésent. Ce n’est qu’en 1925, 32 ans après leur première rencontre, qu’il découvre que son vrai nom est Maria Boursin. On pense qu’elle a fui sa famille et a menti sur ses origines et son âge pendant de nombreuses années. Pourtant, elle est devenue le sujet quelque peu obsessionnel de son art, avec lui la représentant à 385 reprises. Il a également capturé des photographies intimes d’elle, qu’il a ensuite utilisées dans ses œuvres.
Bonnard a également réalisé des paysages, des autoportraits, des scènes de rue et plusieurs natures mortes de fleurs et de fruits.
Sa tendance était de peindre sur plusieurs toiles à la fois, qu’il clouait aux murs de son petit atelier ; en fait, il a travaillé dans l’un des plus petits studios de l’histoire de l’art contemporain. De ce fait, il peut choisir plus librement la taille d’un tableau : comme il le dit : « Si mes toiles étaient tendues sur un châssis, cela me dérangerait. Je ne sais jamais à l’avance avec quelles dimensions je vais aller ».
Vie et mort ultérieures
Bonnard a déménagé au Cannet dans le sud de la France en 1926. Il est revenu à la couleur et à la lumière spectaculaires de ses œuvres antérieures dans ses dernières années. Les peintures de Pierre Bonnard, ainsi que celles de Vuillard, ont fait l’objet d’une importante exposition à l’Art Institute of Chicago en 1938. Tout au long de la Seconde Guerre mondiale, il a résidé au Cannet un peu comme un ermite, après le décès de sa femme en 1942.
Bonnard a réalisé le grand tableau « Saint François guérissant les malades » (1947) pour l’église d’Assy peu avant sa mort.
Une semaine avant sa mort, il a terminé sa peinture finale, L’amandier en fleurs (1947), chez lui. Le Museum of Modern Art de New York a organisé une exposition rétrospective des peintures de Pierre Bonnard en 1948, même si au départ il était prévu d’être une célébration du 80e anniversaire de l’artiste.
Malgré son évitement de l’attention du public, les peintures de Pierre Bonnard se sont bien vendues tout au long de sa vie.
L’héritage de Pierre Bonnard
La renommée de Bonnard avait déjà été éclipsée par la réussite des innovations d’avant-garde dans le monde de l’art à l’époque de son décès. Christian Zervos, évaluant une exposition des peintures de Pierre Bonnard à Paris en 1947, a trouvé l’artiste manquant en ce qui concerne sa relation avec Impressionnisme: « avec les œuvres de Bonnard, l’Impressionnisme devient insipide et glisse vers la dégénérescence. Je crois que Pierres Bonnard est un artiste talentueux pour notre temps et, certainement, pour l’histoire de l’art » Henri Matisse une fois remarqué.
Par conséquent, Bonnard est généralement étiqueté comme un impressionniste tardif, mais cette description est en deçà de ses avancées personnelles dans la peinture. L’art de Bonnard se définit par une utilisation distinctive de la couleur qui rehausse et intensifie la palette impressionniste.
Son utilisation de plans de couleur qui se chevauchent préfigure l’utilisation par les cubistes d’avions se perçant les uns les autres. Pierre Bonnard a également été reconnu pour son humour distinct exprimé dans et à travers l’art. L’excentricité des compositions de Bonnard est entièrement attribuable à son esprit. Il trouve amusant de mettre un personnage dans un coin ou d’avoir un chat qui regarde le spectateur. Ses caprices métaphoriques ont un côté comique, comme lorsqu’il transforme une personne en dessin de papier peint.
Cela conclut notre exploration de la biographie et de l’art de Pierre Bonnard. Dans ses peintures, Bonnard a fréquemment représenté des décors domestiques mettant en scène ses amis et ses proches, documentant des moments intimes de la vie ordinaire. Ses œuvres respirent la chaleur, le confort et la familiarité. Bonnard était bien connu pour son utilisation de couleurs vives et dramatiques pour exprimer l’atmosphère et l’humeur de ses sujets. Il s’est distingué des autres membres du groupe symboliste en mettant l’accent sur les événements ordinaires plutôt que sur le sujet plus ésotérique dans lequel ils étaient engagés.
Questions fréquemment posées
Qui était Pierre Bonnard ?
Pierre Bonnard était un peintre et imprimeur du mouvement postimpressionniste et nabis de France. Dans ses œuvres, il était réputé pour son utilisation de couleurs vibrantes et sa capacité à représenter des moments intimes de la vie ordinaire. Les estampes japonaises et les arts ornementaux ont influencé les premières œuvres de Bonnard. Il réalise des paysages et des natures mortes, ainsi que des scènes domestiques intimes. En outre, il a créé un grand nombre de lithographies, ainsi que des illustrations pour des magazines et des livres.
Qui étaient les Nabis ?
Les Nabis ont été créés par un collectif de jeunes artistes qui se sont rencontrés lors de leurs études à l’Académie Julian de Paris. Ils étaient motivés par les œuvres de Paul Gauguin et les Mouvement symbolisteet ils aspiraient à développer un nouveau type de peinture plus mystique et décoratif que l’approche réaliste des impressionnistes. Les Nabis pensaient que l’art devait être inclus dans tous les éléments de la vie et ils ont essayé de produire des œuvres d’art à la fois belles et utilitaires. Malgré le fait qu’ils n’ont jamais vraiment été une organisation formelle, leurs concepts et leurs idéaux esthétiques ont eu une influence considérable sur le développement de art contemporain.
