Ce que vous pouvez apprendre de ces 10 peintures dramatiques

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La plupart du temps, je me concentre sur les paysages colorés et les paysages marins, mais cet article est un changement de thème. Je vais regarder de plus près certaines des peintures les plus dramatiques que j’ai rencontrées.

Ces peintures démontrent à quel point l’art peut être puissant et combien d’émotions nous sommes capables de représenter en tant qu’artistes. Même si vous préférez peindre des scènes colorées et agréables comme moi, il y a encore beaucoup à apprendre des techniques utilisées dans ces peintures dramatiques. Pensez simplement à la manière dont vous pouvez utiliser ces techniques pour représenter le bonheur, la joie ou toute autre émotion que vous essayez de promouvoir dans vos peintures.

Avertissement: Ce poste n’est pas pour les timides. Certaines de ces peintures sont très confrontantes.

  • Andrew Wyeth, Le monde de Christina, 1948

  • Claude Monet, Camille sur son lit de mort, 1879

  • Edgar Degas, L’absinthe, 1875-1876

  • Edvard Munch, L’enfant malade (Det Syke Barn), 1885

  • Edward Hopper, Automate, 1927

  • Francis Bacon, Homme d’affaires I, 1952 ou Tête d’homme, 1952

  • Frederick McCubbin, pionnier, 1904

  • Pablo Picasso, vieux guitariste, 1903

  • Ilya Répine, Ivan le Terrible et son fils Ivan, 1885

  • Vincent van Gogh, Vieil homme affligé (A la porte de l’éternité), 1890

  • Points clés à retenir

  • Merci d’avoir lu!

(Bonus : Cliquez ici pour télécharger une copie PDF de ma feuille de triche sur la théorie des couleurs.)

Andrew Wyeth, Le monde de Christina, 1948

Andrew Wyeth, Le monde de Christina, 1948
Andrew Wyeth, Le monde de Christina, 1948

Cette peinture dramatique d’Andrew Wyeth dépeint la nature solitaire et stimulante du « monde de Christina ». Christina est une jeune fille qui semble bloquée au milieu d’un champ, regardant une maison au loin. On pense qu’elle souffrait d’une maladie neuromusculaire l’empêchant de marcher.

Wyeth a peint avec un haut niveau de détail et une palette de couleurs terne. Beaucoup ont qualifié ce style de peinture de « réalisme magique ».

Claude Monet, Camille sur son lit de mort, 1879

Claude Monet, Camille sur son lit de mort, 1879
Claude Monet, Camille sur son lit de mort, 1879

La peinture de Claude Monet ci-dessus contraste fortement avec les paysages colorés et énergiques que nous connaissons mieux. Il capture les derniers instants de sa femme sur son lit de mort. Elle est décédée à l’âge de 32 ans, après avoir souffert de diverses conditions médicales.

Monet a dit à un ami à propos de ce tableau…

« Vous ne pouvez pas savoir… l’obsession, la joie, le tourment de mes jours… J’étais au lit de mort d’une dame qui m’avait été, et m’était encore très chère… Je me suis retrouvé à regarder [her] visage tragique, essayant automatiquement d’identifier des choses comme les proportions de la lumière ».

Il peint dans son style habituel – la couleur brisée pour capturer la nature éphémère de la vie. Il semble y avoir une fenêtre ouverte éclairant sa femme d’un côté. Les couleurs sont toutes en sourdine, avec principalement des gris, des bleus ternes et des jaunes. Pour moi, son visage apparaît calme, tandis que le reste du tableau apparaît tourmenté.

Edgar Degas, L’absinthe, 1875-1876

Edgar Degas, L'absinthe, 1875-1876
Edgar Degas, L’absinthe, 1875-1876

C’est une peinture si puissante d’Edgar Degas. Il représente un couple déconnecté et triste. La femme a une boisson vert pâle devant elle, étant de l’absinthe. Les deux sujets étaient en fait des amis de Degas. Ellen André était comédienne et modèle d’artiste et Marcellin Desboutin était artiste et graveur. Leurs carrières ont pris un coup à la suite de cette peinture et Degas a dû annoncer publiquement qu’ils n’étaient pas réellement alcooliques.

Il se passe beaucoup de choses dans la peinture, mais il y a une telle sensation de vide. J’aime la façon dont Degas a utilisé le noir pour délimiter les éléments clés de la peinture – comme le chemisier de la femme, ses chaussures et les tables. Cela ajoute un effet stylistique intéressant à la peinture. J’aime aussi la forte utilisation de la forme dans la peinture.

Edvard Munch, L’enfant malade (Det Syke Barn), 1885

Edvard Munch, L'enfant malade (Det Syke Barn), 1885
Edvard Munch, L’enfant malade (Det Syke Barn), 1885

Edvard Munch est célèbre pour ses peintures dramatiques et évocatrices. La plupart des gens connaissent sa peinture, « Le Cri ». Mais pour moi, la peinture ci-dessus est beaucoup plus dramatique.

Il met en scène un « enfant malade » avec un parent, un membre de la famille ou un ami proche. L’enfant malade est en fait la sœur de Munch, décédée de la tuberculose. Elle est dépeinte comme frêle et faible, probablement dans ses derniers instants.

Le coup de pinceau est chaotique et les sujets sont déformés. Les couleurs semblent boueuses et la perspective semble maladroite, mais cela semble être intentionnel. Cela crée un sentiment de malaise dans la peinture.

Clé à emporter : Parfois, il est plus efficace de peindre inexactement pour aider à rendre le sujet.

Edward Hopper, Automate, 1927

Edward Hopper, Automate, 1927
Edward Hopper, Automate, 1927

Ce tableau est similaire au tableau antérieur de Degas en ce qu’il représente une femme isolée au regard sans regard. Dans ce cas, la femme est assise seule dans un automate. Hopper décrivait la solitude générale et l’isolement de l’individu au sein de la société urbaine de l’époque.

Un automate est un restaurant où de simples plats et boissons sont servis par des distributeurs automatiques. Ceci est important car cela réitère l’isolement du sujet – elle peut manger au restaurant sans avoir aucune interaction avec d’autres personnes.

Le sujet a un gant retiré pour tenir son café. Cela indique qu’elle n’avait l’intention que de faire un bref arrêt avant de s’aventurer à l’extérieur.

On pense que la femme de Hopper a posé comme sujet de ce tableau, mais Hopper l’a peinte avec des traits plus jeunes.

Francis Bacon, Homme d’affaires I, 1952 ou Tête d’homme, 1952

Francis Bacon, Homme d'affaires I, 1952 ou Tête d'homme, 1952
Francis Bacon, Homme d’affaires I, 1952 ou Tête d’homme, 1952

Ce tableau confrontant représente un sujet qui devient fou à l’idée de rester un homme d’affaires assemblé. Cette peinture est un peu ce que j’ai ressenti lorsque je travaillais comme comptable… (je plaisante, mais pas vraiment).

L' »homme d’affaires » semble enfermé dans une boîte en verre, signe de son isolement. Il semble horrifié par la vie qu’il doit vivre, mais coincé dans cette vie.

Son visage est déformé et les couleurs ne sont que des gris et des bleus ternes. Ce n’est pas un chef-d’œuvre technique, mais il est certainement puissant.

Frederick McCubbin, pionnier, 1904

Frederick McCubbin, Le Pionnier, 1904
Frederick McCubbin, Le Pionnier, 1904

Je me souviens d’avoir fait un devoir d’art sur la peinture ci-dessus au lycée. La peinture est du talentueux artiste australien nommé Frederick McCubbin. Il a fait un usage intéressant de 3 panneaux séparés (connus sous le nom de triptyque) pour montrer le passage du temps.

Le premier panneau présente un jeune couple pionnier dans le bush australien. L’homme allume un feu en arrière-plan tandis que la femme réfléchit au premier plan.

Le deuxième panneau présente un couple avec un nouveau-né. Il y a plus de lumière à travers les arbres en arrière-plan et une petite maison a été construite.

Le dernier panneau présente un sujet masculin qui se trouve sur une tombe. Il n’est pas certain que le sujet soit le pionnier des sections précédentes, le fils du couple ou un étranger de passage. La brousse à l’arrière-plan a été défrichée et une ville émerge.

Pablo Picasso, vieux guitariste, 1903

Pablo Picasso, vieux guitariste, 1903
Pablo Picasso, vieux guitariste, 1903

C’est l’une des peintures de Pablo Picasso de sa « période bleue », qui a duré de 1901 à 1904. La peinture semble être influencée par le mouvement artistique expressionniste, son implication avec les pauvres, ses propres luttes et le suicide de son ami proche Carlos Casagemas .

Comme pour la plupart des tableaux créés par Picasso pendant la «période bleue», il y a un sujet frêle rendu avec des bleus ternes. Le sujet est maigre et a des traits allongés.

Il saisit la guitare, qui est peinte en orange terne et représente le seul changement de couleur significatif dans le tableau. La guitare semble représenter la seule source de vie du sujet.

Fait intéressant: Les examens des conservateurs ont révélé au moins deux autres peintures sous le Vieux guitariste. Ci-dessous, une image de l’un des sujets de ces peintures.

Vieux guitariste - peinture derrière

Ilya Répine, Ivan le Terrible et son fils Ivan, 1885

Ilya Répine, Ivan le Terrible et son fils Ivan, 1885
Ilya Répine, Ivan le Terrible et son fils Ivan, 1885

La peinture ci-dessus par Ilya Repin dépeint une scène horrible avec Ivan le Terrible tenant son fils mortellement blessé, Tsarévitch Ivan Ivanovitch. On pense qu’Ivan le Terrible a fait la blessure mortelle. Répine a certainement capturé le regard affligé d’Ivan le Terrible.

Il y a un savant contraste entre les rouges vifs au premier plan et sur le sujet et les verts ternes et sombres en arrière-plan. Le niveau de détail concentre également votre attention sur les deux sujets.

C’est l’une des peintures les plus célèbres et les plus controversées de Russie. Il a été vandalisé deux fois en raison de sa controverse, une fois en 1913 et une fois en 2018.

Vincent van Gogh, Vieil homme affligé (A la porte de l’éternité), 1890

Vincent van Gogh, Vieil homme affligé (A la porte de l'éternité), 1890
Vincent van Gogh, Vieil homme affligé (A la porte de l’éternité), 1890

Ce tableau de Vincent van Gogh représente un « vieil homme affligé » qui semble être au bout de sa route. Le tableau a été achevé lors d’une rechute de santé environ deux mois avant la mort de van Gogh.

Il était basé sur une lithographie et plusieurs dessins qu’il a créés plus tôt. Il a dit des dessins:

« Aujourd’hui et hier, j’ai dessiné deux figures d’un vieil homme avec ses coudes sur ses genoux et sa tête dans ses mains. Je l’ai fait de Schuitemaker une fois et j’ai toujours gardé le dessin, car je voulais le faire mieux une autre fois. Peut-être que j’en ferai aussi une lithographie. Quel beau spectacle que fait un vieil ouvrier, dans son costume de bombazine rapiécé avec sa tête chauve.

Ce que je trouve intéressant dans cette peinture, c’est qu’elle est réalisée avec des couleurs vives. La plupart des autres peintures dramatiques de cet article présentent des couleurs ternes et sombres. Dans le plus pur style van Gogh, il est allé à contre-courant et a peint ce sujet dramatique avec une palette relativement colorée.

Points clés à retenir

Voici quelques-uns des principaux points à retenir de cet article :

  • En tant qu’artistes, nous essayons non seulement de peindre ce qui est devant nous, mais aussi ce qui est à l’intérieur nous. Comment le sujet vous fait-il sentir? Que voulez-vous que les gens ressentent lorsqu’ils regardent votre tableau ? Les peintures de cet article montrent à quel point vous pouvez représenter une émotion. De toute évidence, vous n’avez pas besoin de peindre avec un tel drame. Vous pouvez simplement peindre le joie qu’un paysage vous fait ressentir.
  • La couleur est l’un des outils les plus efficaces dont nous disposons en tant qu’artistes pour peindre l’émotion.
  • Parfois, il est payant de peindre inexactement afin de faire passer votre message. Par exemple, déformer le sujet, peindre avec une perspective étrange ou utiliser des couleurs boueuses.

Merci d’avoir lu!

Merci d’avoir pris le temps de lire cette publication. Je vous en suis reconnaissant! N’hésitez pas à partager avec vos amis. Si vous voulez plus de conseils de peinture, consultez mon cours de l’Académie de peinture.

Bonne peinture !


Dan Scott
Académie de peinture de dessin


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