Regardons de plus près la série Waterloo Bridge de Claude Monet. Un bel étalage de couleurs et d’atmosphère, comme on peut s’y attendre de Monet.
La série comprend plus de 40 peintures créées de 1899 à 1904. Bien que beaucoup aient depuis été vendues à des collections privées, perdues ou détruites ; seule une poignée reste visible au public. Ce qui est dommage, car Monet voulait que la série soit jugée dans son ensemble. En 1903, il écrit à son marchand Durand-Ruel :
« Je ne puis vous envoyer une seule toile de Londres… Il est indispensable de les avoir toutes sous les yeux et de dire la vérité ; aucun n’est définitivement terminé. Je les développe tous ensemble. (Source – Le Met Museum)
Peu de gens auraient jamais vu la série dans son intégralité. Je ne peux qu’imaginer que c’est une belle vue. Cette vidéo donne un aperçu partiel de ce à quoi ressemble la série.
Monet a peint la série depuis sa chambre à l’hôtel Savoy, bien qu’il ait continué à travailler sur la série dans son atelier de Giverny. Alors que les peintures semblent fraîches et spontanées, Monet ne les a pas achevées en une seule séance. Il avait probablement plusieurs peintures en cours en même temps alors qu’il tentait de capturer les effets fugaces de la nature.
La série est essentiellement une étude de la couleur et de la lumière. Le sujet cohérent permet des observations plus claires des relations entre la couleur, la lumière et le temps. Ce n’était pas la première fois que Monet faisait ça. Il a également peint une série sur les nénuphars, la cathédrale de Rouen, les meules de foin, les chambres du Parlement et le pont Charing Cross pour n’en nommer que quelques-uns. Il a peint la série Charing Cross Bridge à peu près au même moment et dans la même pièce que la série Waterloo Bridge. Cette pièce encombrée devait être une merveilleuse exposition d’art.
Quoi qu’il en soit, jetons un coup d’œil à quelques tableaux de la série, en commençant par un simple croquis réalisé en 1899. Ce doit être l’une de ses premières représentations de la scène. Regardez ces marques sauvages et exploratoires. Ce n’est ni raffiné ni joli, mais c’est beau en soi, surtout quand on connaît toutes les peintures qui découlent de ce croquis.
Le tableau ci-dessous est peut-être mon préféré de la série. Plus je regarde, plus ça me saisit. C’est aussi un excellent exemple de couleur cassée. Remarquez tous les tons bleu, vert, violet, jaune et orange tissés ensemble. A la fois distinct et faisant partie d’un tout plus vaste.
Celui-ci (ci-dessous) est plus subtil. L’épais brouillard bloque la lumière. La clarté est faible et seuls de vagues détails sont visibles. En soi, la peinture est plutôt sobre. C’est peut-être pourquoi Monet a voulu qu’il soit jugé dans le cadre de l’ensemble de la série, où il joue le rôle important de compléter les autres longs métrages.
Voici une autre peinture subtile de la série, mais cette fois avec des tons plus froids. Il y a une sensation étrange à cela. Cela pourrait avoir quelque chose à voir avec l’idée que ces bateaux vont bientôt disparaître dans le brouillard.
Dans ce tableau, la lumière éclate à travers la canopée brumeuse. Il y a un sens du drame, avec des éclats de lumière, de couleur et quelques accents sombres dans l’atmosphère grise. Remarquez à quel point il y a plus de contraste dans cette peinture par rapport aux deux précédentes. Plus de contraste signifie généralement plus de drame, d’activité, de mouvement, etc.
Ci-dessous, une représentation de mauvaise humeur. Ça va bien cette citation:
« Le brouillard à Londres prend toutes sortes de couleurs ; il y a des brouillards noirs, bruns, jaunes, verts, violets, et l’intérêt de la peinture est d’obtenir les objets vus à travers ces brouillards. Claude Monet
Celui-ci me rappelle Impression, Sunrise. Un agréable contraste entre les couleurs froides ambiantes et les couleurs chaudes intenses. Je suis curieuse de voir à quoi ressemble ce tableau en personne, car les couleurs semblent très intenses par rapport à ses autres travaux. Les photos peuvent parfois être trompeuses et je me demande si quelqu’un a augmenté la saturation sur cette photo.
Il y a plus de clarté dans ce tableau. La journée a dû être relativement claire à Londres. Monet peint en high key, ce qui signifie que toutes les couleurs sont compressées vers l’extrémité claire de l’échelle des valeurs. Remarquez qu’il n’y a pas beaucoup de saut entre l’obscurité la plus sombre et la lumière la plus claire. Comparez cela aux noirs stygiens et aux reflets brillants utilisés par les maîtres anciens comme Rembrandt.
Sommaire
Ressources additionnelles
- Lettres d’artistes de Michael Bird. Je viens de le commander, car je crois qu’il contient certaines des lettres de Monet à son marchand d’art et à d’autres. Je vous dirai comment c’est.
- Wikiart – Photos en grande résolution des peintures de Monet.
- Comment peindre comme Claude Monet
Merci d’avoir lu!
J’espère que vous avez apprécié cet article. Voir ces peintures en personne est définitivement sur ma liste de choses à faire. J’ai l’impression que les photos ne leur rendent pas justice.
N’hésitez pas à partager avec vos amis. Si vous voulez en savoir plus, vous pourriez être intéressé par ma Masterclass de peinture de paysage.
Bonne peinture !
Dan Scott
