Sfumato – L’histoire et l’utilisation de la technique Sfumato

OQu’est-ce que l’art sfumato ? Une définition utile du sfumato serait : La technique du sfumato est une méthode artistique de la Renaissance pour faciliter les transitions de couleurs et simuler une zone autre que ce que l’œil humain peut voir, également connu sous le nom de plan flou. Sur la base de son expertise en optique et en perception humaine, ainsi que de ses expériences avec la camera obscura, Léonard de Vinci était peut-être le développeur le plus remarquable de l’art sfumato. Il l’a lancé et l’a utilisé dans plusieurs de ses peintures, y compris les célèbres exemples de sfumato : Vierge des Rochers (1486) et son célèbre Mona Lisa (1506) portrait.

Explorer l’art Sfumato

Sfumato a été défini par Léonard de Vinci comme « sans frontières ni limites, à la manière de la fumée ou en dehors du plan focal ». Selon l’opinion largement acceptée de quelques historiens de l’art, la technique du sfumato, avec le clair-obscur, le cangiante et l’unione, était l’une des quatre manières de peindre les couleurs ouvertes à l’italien. Haute Renaissance artistes.

Sfumato, qui signifie « disparaître comme de la fumée », comprenait la pose de nombreuses couches minces de vitrage pour produire de légers changements de tons et des dégradés entre la lumière et l’ombre, ainsi que l’ajout de changements subtils au clair-obscur.

Un détail de Léonard de Vinci Vierge à l’Enfant avec sainte Anne (vers 1510), illustrant l’utilisation de la technique du sfumato ; Léonard de Vinci, domaine public, via Wikimedia Commons

Giorgio Vasari attribua plus tard son origine à deux début de la Renaissance Les Européens du Nord, Jan van Eyck et Roger van der Weyden, même s’il était déjà associé à de Vinci, qui a perfectionné la technique. Le processus exigeait une habileté considérable, car les scientifiques contemporains ont découvert que les émaux du créateur avaient souvent à peine un micron d’épaisseur et se composaient de blanc de plomb avec 1% de vermillon ajouté.

D’autres peintres, notamment Corrège, Raphaël, Fra Bartolommeo et Giorgione, ont suivi la méthode, et cela a également eu un impact sur les « Leonardeschi », terme donné au nombre énorme de peintres qui se sont liés à Léonard de Vinci ou ont participé à son atelier.

Raphaël a alors imaginé ce que les historiens de l’art appellent unione.

Pour combiner les caractéristiques tonales et les ombres douces du sfumato avec ses couleurs vibrantes, il a utilisé des changements de couleur subtils pour produire des bords mixtes, comme on peut le voir dans son Alba Madone (c. 1510), qui est reconnu pour sa couleur riche et son unité fluide.

La Madone d’Alba (vers 1510) par Raphaël ; Raphaël, domaine public, via Wikimedia Commons

Exemples célèbres de Sfumato

Maintenant que nous avons couvert la définition du sfumato et que nous comprenons mieux la technique du sfumato, examinons maintenant quelques exemples célèbres de sfumato. Ces œuvres d’art sfumato sont réputées pour leur utilisation pionnière de la méthode de peinture. Nous commencerons par le pionnier original de la technique, Léonard de Vinci.

Ginevra de’ Benci (1478) de Léonard de Vinci

Ginevra de ‘Benci, une jeune femme très connue de Florence, est largement considérée comme le modèle de l’image. Leonardo a créé l’image à Florence entre 1474 et 1478, probablement pour marquer les 16 ans de fiançailles de Ginevra avec Luigi di Bernardo Niccolini. Il est plus susceptible de commémorer l’engagement.

Les portraits traditionnels de femmes étaient souvent produits pour l’une des deux raisons suivantes : les vœux ou le mariage.

Les photos de mariage étaient généralement produites par paires, la dame à droite faisant face à gauche et l’homme à gauche regardant à droite; parce que cette image était tournée vers la droite, elle est plus susceptible d’indiquer des fiançailles. L’arbuste de genévrier qui encercle la tête de Ginevra et occupe la majeure partie de l’arrière-plan a un but autre que décoratif. Le genévrier était considéré comme un emblème de la vertu féminine dans l’Italie de la Renaissance, et le terme italien pour le genévrier, ginepro, est également une variante du nom de Ginevra.

Ginevra de’ Benci (vers 1474-1478) de Léonard de Vinci ; Léonard de Vinci, domaine public, via Wikimedia Commons

L’iconographie et les mots au dos du panneau – une brindille de genévrier entourée d’une guirlande de lauriers et de palmiers, commémorée par l’expression latine « La beauté complimente la vertu » – aident à identifier l’image. Le terme est destiné à représenter le lien complexe de Ginevra entre sa pureté intellectuelle et morale d’une part et son attrait physique d’autre part. Son nom est suggéré par une brindille de genévrier entourée de laurier et de palmier.

Bernardo Bembo, un envoyé vénitien à Florence dont le lien platonique avec Ginevra est documenté dans la poésie envoyée entre eux, avait le laurier et la palme comme insigne personnel.

L’inspection infrarouge a trouvé la devise de Bembo « Honneur et Vertu » sous celle de Ginevra, ce qui implique que Bembo était engagé dans la commande du portrait. L’image est l’une des pièces maîtresses de la National Gallery of Art, et beaucoup de gens l’aiment pour sa représentation de la disposition de Ginevra. Ginevra est belle mais austère ; elle ne sourit pas et son regard, tout en avant, semble indifférent au public.

Vierge des Rochers (vers 1491-1508) de Léonard de Vinci

La Vierge Marie est vue dans cette œuvre avec son bras droit tendu pour étreindre l’enfant Jean-Baptiste, tandis que sa main gauche flotte dans un mouvement de bénédiction vers un enfant Christ, qui est positionné à côté de l’archange Gabriel. Alors que les quatre semblent participer aux mouvements et aux attitudes d’un conversation sacréeun effet de chaleur est communiqué.

La présence présidante de la Madone unit les quatre, ce qui est mis en évidence par les changements de couleurs prismatiques mais délicats et les contours mélangés.

Da Vinci exploite efficacement sa technique caractéristique ici, mélangeant clair-obscur et sfumato pour produire un environnement tridimensionnel et des formes volumétriques réalistes imprégnées de vie. Le clair-obscur ajoute de la profondeur et de l’intrigue à la grotte trouble en arrière-plan et à la campagne blanche brumeuse à l’horizon, tandis que les humains sont éclairés de l’intérieur, leurs visages et leurs mains doucement lumineux.

Vierge des Rochers (vers 1491-1508) de Léonard de Vinci ; Léonard de Vinci et atelier, domaine public, via Wikimedia Commons

Sans l’utilisation des halos habituels, l’artiste dépeint leur caractère sacré par la lumière et incarne l’environnement avec une observation précise, comme le montrent les espèces uniques de plantes qui poussent au bord du lac, et une précision anatomique, comme on peut le voir dans les indentations dans les bras du bambin du Christ. Cette œuvre a rapidement été reconnue comme un chef-d’œuvre et a rendu célèbre Léonard de Vinci.

Il a servi de modèle à ses pairs et aux peintres suivants, et a eu un impact sur l’utilisation du clair-obscur et du sfumato à travers l’Europe.

Jeune tenant une flèche (1505) de Giorgione

Giorgione est bien connu pour les éléments lyriques délicats de ses peintures. Malgré le fait qu’environ six tableaux lui soient attribués en toute sécurité, il est considéré comme un personnage influent. Artiste de la Renaissance. Giorgione est devenu l’un des peintres les plus intrigants de l’histoire européenne. Les éléments ambigus entourant la catégorisation et l’interprétation de ses œuvres. La méthode de Giorgione utilisait la technique du clair-obscur modifié, le sfumato.

Cette technique a ajusté les teintes de couleur pour transmettre les perspectives et l’éclairage, offrant aux œuvres d’art de Giorgione une luminosité enchanteresse qui a captivé ses spectateurs.

L’énigme entourant le jeune porteur d’une flèche est plongée dans l’obscurité et les interprétations possibles sont diverses. Alors que l’époque et le crédit du créateur sont généralement acceptés, certains chercheurs ne sont pas satisfaits du titre. Attribuer un titre a été difficile car le sujet de l’œuvre reste discutable. La figure a été reconnue comme Eros, Saint-Sébastien et Apollon de la mythologie ancienne ou de l’imagerie chrétienne. Selon de récentes spéculations, le nom du garçon était Paris, et il a grandi pour vaincre Achille avec sa flèche.

Jeune tenant une flèche (1505) par Giorgione; Giorgione, domaine public, via Wikimedia Commons

Cette oeuvre représente un jeune homme attachant avec sa tête inclinée sur le côté, son visage immobile et de subtiles indications de paix. Ses cheveux sont mi-longs, ondulés, brun foncé et séparés au milieu. En raison de l’obscurité environnante, sa couleur et sa texture semblent se fondre dans l’environnement, tandis que les traits ciselés de l’homme semblent briller.

La modélisation et la silhouette travaillent ensemble pour produire une représentation étonnante du gentleman de la Renaissance.

Le jeune est représenté à partir des épaules, vêtu d’une robe rouge vif et de sous-vêtements blancs aux ornements exquis. Il serre le dos d’une flèche, près des plumes, avec sa main droite. L’index et le majeur de la personne sont largement écartés, produisant une large prise sur la tige de la flèche. Ces caractéristiques conduisent à croire que l’individu est Saint Sébastien. L’homme est le même que l’adolescent de Garzone avec la flûte et David avec la tête de Goliath, tous deux réalisés par Giorgione.

une fille avec une boucle d’oreille (vers 1665) de Johannes Vermeer

Cette image emblématique représente une jeune femme debout devant un fond sombre, les yeux brillants et la bouche grande ouverte, comme si elle était prête à parler ou s’était arrêtée au milieu d’un discours. Elle est vêtue d’un beau tissu, ses vêtements doux avec des ombres contrastées et des touches de couleur, et elle porte une coiffe bleue inhabituelle avec une énorme perle suspendue à son oreille. Cette pièce, considérée comme légendaire pendant la Âge d’or néerlandaisillustré le statut de Vermeer en tant que « maître de la lumière » en raison de sa maîtrise du clair-obscur.

Les ombres douces qui baignent la moitié gauche de son torse et son visage tourné sont nuancées et variées, car le sfumato module ici le clair-obscur.

une fille avec une boucle d’oreille (vers 1665) de Johannes Vermeer ; Johannes Vermeer, domaine public, via Wikimedia Commons

Vermeer a créé les délicats changements de teint, les accents roses et blancs sur ses lèvres et son regard pétillant en utilisant des couches extrêmement fines de peinture parfois presque translucide brossées avec un pinceau de poils fins de blaireau. La simplicité de sa coiffure et de sa tenue met l’accent sur son visage, qui est sculpté avec une excellente précision mais mystérieux avec émotion.

Alors que l’image était un tronie , un genre important à l’époque qui représentait une figure vêtue de vêtements étrangers, elle était également déroutante, car son turban ne ressemblait à aucune tendance hollandaise ou orientale reconnue à l’époque. Il est également possible que la perle, qui est énorme, soit composée d’étain. La beauté brillante et le mystère de la peinture ont captivé les universitaires et le grand public jusqu’au XXIe siècle.

Ceci conclut notre exploration de la technique du sfumato. Étroitement lié au clair-obscur, il a porté le concept de mélange à un degré encore plus fin. Nous espérons que cet article et les exemples de sfumato mentionnés vous ont permis de mieux comprendre l’art du sfumato.

Jetez un œil à notre webstory sur la technique de sfumato ici!

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que l’art Sfumato?

C’est un autre terme qui vient de la langue italienne. Le terme vient du verbe fumer sens fumer. Une œuvre d’art sfumato est celle qui manque de contours nets ou durs. Les artistes utilisent le sfumato pour créer un aspect brumeux et atmosphérique dans leurs peintures en brouillant et en mélangeant méticuleusement. Cela se fait parfois à l’aide d’une méthode de pinceau sec et à d’autres occasions avec un floutage méticuleux ou un mélange de coups de pinceau avec le bout du doigt, un chiffon ou un autre pinceau.

D’où vient Sfumato ?

Jusqu’à ce que le Renaissance italiennedes sections claires de contour décrivant les formes étaient extrêmement populaires dans l’art. L’artiste de la Renaissance Léonard de Vinci a jeté une clé dans les travaux. Avec son célèbre portrait Mona Lisa (1503), il a démontré une excellente illustration d’une approche différente. Lorsqu’elle est juxtaposée à l’approche pointue précédente, la méthode sfumato se démarque encore plus, car le visage de da Vinci prend un aspect flou et onirique. Il n’y a pas de lignes distinctes ici, seulement un ombrage subtil pour fournir un décalage entre les différents tons.