Nicolai Fechin – Faits clés, répartition du style et peintures de maître

Nicolai Fechin était un maître artiste russe connu pour ses peintures dynamiques et ses dessins complexes. Son art est un mélange étonnant de brillance académique et d’exploration créative. Dans ce post, je couvre:

• Faits marquants

• Un regard plus attentif sur certaines des peintures de Nicolai Fechin

• Dessins élégants

• Citations de Nicolai Fechin

• Merci d’avoir lu!

« La peinture fine consiste simplement à mettre les bonnes couleurs aux bons endroits sur la toile. » Nicolaï Fechin

Faits marquants

• Nicolai Fechin est né le 26 novembre 1881 à Kazan, en Russie.
• Il a été initié à l’art dès son plus jeune âge, apprenant à sculpter auprès de son père et créant également des dessins pour la construction d’autels.
• À l’âge de 13 ans, il s’inscrit à la nouvelle école d’art de Kazan, une branche de l’Académie impériale des arts. Fechin a fini par se marier et avoir un enfant avec la fille du directeur de l’école d’art de Kazan.
• Il a ensuite été admis à étudier à l’Académie impériale avec des artistes comme Ilya Repine. Je peux certainement voir des similitudes entre les œuvres de Repin et de Fechin.
• Sa dernière peinture alors qu’il étudiait à l’Académie Impériale lui a valu le Prix ​​de Romece qui lui a permis de voyager et de peindre à travers l’Europe.
• En 1910, il remporte l’or à l’exposition internationale annuelle de Munich.
• Il est finalement retourné chez lui à Kazan pour enseigner à l’école d’art de Kazan, dont il est finalement devenu le directeur.
• Il est décédé le 5 octobre 1955 à l’âge de 73 ans à Santa Monica, aux États-Unis.
• La plus grande collection de son travail se trouve au Centre Fechin à Kazan.

Un regard plus attentif sur certaines des peintures de Nicolai Fechin

Les peintures de Fechin sont une démonstration de sa formation académique, avec une utilisation magistrale du dessin, de la valeur et de la composition. Ce qui rend son art unique, c’est la façon dont il a combiné sa maîtrise académique avec un coup de pinceau pictural et un niveau d’abstraction. Il essayait clairement de repousser les limites de ce qui est possible avec la peinture et le pinceau.

Dans sa peinture ci-dessous, remarquez le contraste des tons délicats et des détails utilisés pour le visage du sujet, contre le coup de pinceau pictural et l’abstraction pour le reste de la peinture. Les vêtements du sujet se confondent presque avec le mur en arrière-plan.

Fechin a utilisé un pinceau pictural pour l’ensemble du tableau ci-dessous, y compris le visage du sujet. Les bases solides de cette peinture ont permis à Fechin d’être plus rugueux et expressif avec son coup de pinceau. Notez également qu’il existe deux masses de valeur fortes – la moitié inférieure sombre et la moitié supérieure claire, avec quelques accents sombres ou colorés stratégiquement positionnés tout au long de la peinture.

Le niveau de détail et de contrôle utilisé dans la peinture ci-dessous est vraiment remarquable. La fille seule aurait été un défi à peindre, sans parler des fruits sur la table, des pots de fleurs sur l’étagère de la fenêtre ou des détails de la nappe.

La peinture ci-dessous est en contraste frappant, Fechin utilisant l’abstraction, un coup de pinceau expressif et une composition encombrée.

Dessins élégants

Voici quelques-uns des dessins élégants de Fechin. Remarquez en particulier son utilisation puissante de la ligne.

Citations de Nicolai Fechin

Les citations suivantes donnent un aperçu fantastique des idées et de l’état d’esprit de Fechin sur l’art. Je vous suggère de lire chaque citation car il y a une mine de connaissances ici.

« En fait, un artiste n’a affaire qu’à trois couleurs de base : le rouge, le bleu, le jaune (tout le reste est une combinaison de ces couleurs fondamentales). Tout le monde le sait, mais peu y prêtent attention. Ainsi la première étape pour l’artiste d’apprendre à voir ces couleurs primaires et à les distinguer séparément les unes des autres.

« Pour éviter des résultats flous, il est nécessaire d’apprendre à utiliser les trois couleurs de base et à les appliquer, couche après couche, de manière à ce que la couleur sous-jacente transparaisse à l’application suivante. Par exemple, on peut utiliser de la peinture bleue, appliquer dessus du rouge de manière à ce que le bleu et le rouge soient vus simultanément et produisent ainsi l’impression d’une vibration violette. Si, de la même manière prudente, on met sur sa première combinaison une couleur jaune, une harmonisation complète est atteinte – les couleurs ne sont pas mélangées, mais construites les unes sur les autres, conservant toute l’intensité de leurs vibrations.

« … un haut degré de maîtrise de la technique a toujours eu, et aura toujours, une place prépondérante dans l’art. Le sujet, en lui-même, n’a de valeur que selon la mode du jour. Demain, il sera remplacé par une nouvelle mode ou une mode. Avec le temps, le sujet perd beaucoup de son sens. Mais la belle exécution de ce sujet conserve sa valeur… »

« L’apparition d’une idée vraiment nouvelle dans l’art est toujours précieuse, mais seulement lorsqu’elle vise à s’accomplir dans une œuvre accomplie. »

« Plus sa technique sera consommée, plus il sera facile pour l’artiste de s’affranchir de toute dépendance vis-à-vis d’un sujet. Ce qu’il utilise pour remplir sa toile n’est pas si vital. Ce qui est vital, c’est comment il le fait. Il est triste qu’un artiste devienne l’esclave de l’objet qu’il cherche à représenter. L’objet représenté ne doit servir que de prétexte pour remplir une toile. Ce n’est que lorsque le sujet passe à travers le filtre de sa faculté créatrice que son travail acquiert de la valeur pour un artiste… »

« Dès qu’une idée originale se forme – ce que l’artiste veut représenter et par quels moyens concrets – il doit commencer à structurer, à organiser. Une méthode pour apprendre la création de « forme » réside dans le processus de création lui-même. À mon avis, la création de la forme ne peut pas être basée uniquement sur la distribution de la lumière et de l’ombre, car la lumière change constamment et ce n’est qu’une impression de la forme, mais pas la forme elle-même.

« Personne ne peut vous apprendre à peindre et à dessiner, sauf vous-même. Vous ne pouvez pas apprendre à peindre en regardant un maître peindre bien formé, jusqu’à ce que vous-même, ayez d’abord appris à peindre avec une certaine compréhension. Ce n’est que par le chemin de beaucoup de pratique et d’expérience que des résultats mûrs peuvent être atteints.

« … la construction de la forme reste fondamentale – de toute forme, qu’elle soit naturelle ou imaginaire. Le principe de construction reste le même, quelle que soit la forme. L’artiste doit donc commencer par étudier la construction de la forme.

« Ma façon de dessiner et de peindre ne peut être enseignée que par la perception visuelle directe et il est presque impossible de la décrire. Une attitude envers la peinture et quelques fondamentaux techniques peuvent cependant être discutés – mais toujours avec un avertissement de ne pas prendre mes observations de manière trop littérale ou figée… »

« L’artiste ne doit jamais oublier qu’il a affaire à l’ensemble de la toile, et non à une partie de celle-ci. Indépendamment de ce qu’il se propose de peindre, le problème reste le même. Avec sa propre originalité créatrice, il doit remplir sa toile et en faire un tout organique. Il ne doit y avoir aucun endroit particulièrement favorisé dans le tableau… »

« Aussi pour moi, je n’aime pas utiliser de médium. Cela dissout trop les peintures. Les pigments se mélangent, ne conservent pas leur distinction individuelle et perdent ainsi à nouveau une grande partie de leur intensité fraîche.

Merci d’avoir lu!

Merci d’avoir pris le temps de lire cette publication. Je vous en suis reconnaissant! N’hésitez pas à partager avec vos amis. Si vous voulez plus de conseils de peinture, consultez mon cours de l’Académie de peinture.

Bonne peinture !

Dan Scott

Académie de peinture de dessin