Élément visuel – Texture

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La texture dans l’art est un élément visuel qui fait référence à la qualité de surface d’une peinture (c’est-à-dire lisse, rugueuse, mate, brillante, etc.). De nombreux artistes semblent négliger l’importance de la texture, mais je trouve que c’est l’un des outils les plus polyvalents à notre disposition.

Dans cet article, je discute de ce qu’est la texture et de la manière dont vous pouvez l’intégrer avec succès dans vos peintures. Je couvrirai :

  • Différents types de textures dans l’art

  • Tirer parti de la texture physique de vos peintures

  • Créer l’illusion de texture

  • Exemples spécifiques d’utilisation de la texture dans l’art

  • Vous voulez en savoir plus ?

  • Merci d’avoir lu!

(Bonus : Cliquez ici pour télécharger une copie PDF de ma feuille de triche sur la théorie des couleurs.)

Différents types de textures dans l’art

En art, la texture peut signifier deux choses :

  • La physique la texture de nos peintures que nous expérimentons visuellement et au toucher ; ou
  • La illusion de texture dont nous ne faisons l’expérience que visuellement.

Voici un exemple d’une texture physique rugueuse de Vincent van Gogh qui est un élément clé dans nombre de ses œuvres :


Vincent van Gogh, Nuit étoilée, 1889
Vincent van Gogh, Nuit étoilée, 1889
Vincent van Gogh, Nuit étoilée, 1889, De près 2

Cette aquarelle de John Singer Sargent démontre la illusion de la texture rugueuse de la terre et des montagnes, mais la peinture elle-même est plutôt lisse. Cela se fait grâce à une utilisation intelligente de la couleur, du contraste et d’autres éléments visuels. Un inconvénient de la peinture à l’aquarelle est que vous ne pouvez pas créer une texture physique épaisse avec la peinture comme vous le pouvez avec des huiles ou des acryliques.

John Singer Sargent, Descendant du Mont Blanc, 1909-1911
John Singer Sargent, Descendant du Mont Blanc, 1909-1911

Dans la peinture ci-dessous, j’ai utilisé physique et texture visuelle pour peindre le premier plan à côté de la rivière. J’ai d’abord peint une fine couche de gris et de verts ternes pour donner l’illusion de roches, de terre, d’herbe, etc. Ensuite, j’ai chargé mon pinceau et appliqué des touches épaisses de jaunes ternes pour rendre les plantes au premier plan. Cela crée un contraste intéressant entre les textures lisses et épaisses.


Nouvelle-Zélande, Maison Rouge, Huile, 12x16 Pouces
Dan Scott, Nouvelle-Zélande, Red House

La Nouvelle-Zélande, Red House - Détail de près

Tirer parti de la texture physique de vos peintures

Le but principal de la peinture est de créer l’illusion d’un sujet en trois dimensions sur une surface plane. Mais cela ne signifie pas que vous devez ignorer les propriétés physiques de vos peintures.

La peinture qui a été appliquée en douceur sur la toile semble très différente de la peinture qui a été appliquée de manière épaisse et empâtée. Une ligne directrice générale que je trouve utile est d’essayer de faire correspondre la texture physique de ma peinture aux caractéristiques du sujet que je peins.

Texture lisse peut être utile pour peindre des zones calmes, floues, sombres ou éloignées. Dans mon tableau ci-dessous, observez la texture lisse du ciel, des nuages ​​et des arbres lointains.


Secrets sur le lac, Montville, 16x20 pouces, 2016
Dan Scott, Secrets sur le lac, Montville, 2016

Secrets sur le lac - Détail Close Up Background

Texture épaisse peut être utile pour peindre des zones dramatiques, émotionnelles, actives ou proches. Pour en revenir à la peinture ci-dessus à titre d’exemple, j’ai construit une texture épaisse au premier plan à l’aide d’un couteau à palette pour créer une impression de profondeur dans la peinture. L’idée était d’avoir une progression d’une texture rugueuse à moyenne à lisse en passant du premier plan à l’arrière-plan.


Secrets sur le lac - détail gros plan
Détail du premier plan

Secrets sur le lac - Détail Close Up Middle Ground
Détail du terrain intermédiaire

La texture de l’empâtement crée également de minuscules ombres sur la toile en fonction de la direction de la lumière. Cela peut produire des résultats intéressants.

Créer l’illusion de texture

La valeur physique de vos peintures est limitée. Habituellement, vous devrez faire appel à d’autres éléments visuels pour créer l’illusion de texture. Cela implique l’arrangement intelligent des couleurs, du contraste, du travail au pinceau, des formes, etc. pour imiter la texture du sujet que vous peignez.

Par exemple, si vous peignez de l’eau calme et vitreuse, vous pouvez utiliser de longs traits cohérents de couleurs vives avec très peu de contraste. En témoigne le tableau harmonieux ci-dessous de Claude Monet :

Claude Monet, Matin brumeux sur la Seine, 1897
Claude Monet, Matin brumeux sur la Seine, 1897

D’autre part, si vous peigniez les mers turbulentes, vous pourriez utiliser des traits courts et agités de couleurs variées avec un contraste net entre les éléments. Frederick Waugh était un maître en la matière.

Frederick Judd Waugh, Vents et mers
Frederick Judd Waugh, Vents et mers

Exemples spécifiques d’utilisation de la texture dans l’art

Vous trouverez ci-dessous quelques exemples spécifiques de la façon dont j’intègre la texture dans mes peintures.

Des nuages: J’aime utiliser une texture épaisse pour les nuages, contrastant avec une texture relativement lisse pour le ciel général. Cela crée une belle sensation de profondeur. J’utilise également une peinture plus épaisse pour les zones touchées par la lumière et laisse les zones ombragées des nuages ​​un peu plus fines.


Tutoriel de peinture de paysage - Close Up Sky

Herbe: Je profite du coup de pinceau visible et des changements subtils de couleur pour imiter la texture de l’herbe. Une technique utile consiste à saisir un gros pinceau plat ou filbert et à le charger de couleurs variées (verts, jaunes, gris). J’utilise des traits audacieux pour créer l’illusion de grappes de verre.

Eau: Pour les eaux turbulentes, j’utilise une peinture épaisse qui imite l’écoulement général de l’eau. J’essaie vraiment de sentir comment l’eau bouge et mon pinceau suivra souvent ce mouvement. Pour les zones plus calmes, j’utilise moins de texture et de contraste. Si vous voulez en savoir plus à ce sujet, vous devriez consulter mon article sur la peinture réaliste de l’eau.

Frederick Judd Waugh, paysage marin
Frederick Judd Waugh, paysage marin

Ciel bleu: J’utilise une texture lisse pour un ciel clair et bleu, mais cela ne signifie pas que j’ignore complètement le travail au pinceau. Je profite d’un travail de pinceau subtil pour créer une sorte d’intérêt dans le ciel. Sinon, de grandes zones de couleur monotone peuvent sembler trop fades.

Bâtiments: J’utilise souvent une texture relativement épaisse pour les bâtiments afin de créer une impression de profondeur dans la peinture (cela fait avancer les bâtiments en perspective). Le couteau à palette peut être utile ici pour peindre des blocs de couleur épais et propres.

Rochers: Lorsque je peins les reflets sur des rochers, j’utilise souvent le couteau à palette pour gratter une peinture épaisse sur une couleur de base sombre. Ces couleurs brisées imitent étroitement la façon dont la lumière frappe les bords des rochers.

Vous voulez en savoir plus ?

Vous pourriez être intéressé par mon cours de l’Académie de peinture. Je vais vous guider à travers les fondamentaux éprouvés de la peinture. Il est parfait pour les peintres débutants à intermédiaires.

Merci d’avoir lu!

Je vous remercie d’avoir pris le temps de lire ce message et j’espère que vous l’avez trouvé utile. N’hésitez pas à le partager avec vos amis.

Bonne peinture !

Dan Scott


Académie de peinture de dessin

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